Art Central, la feria de arte más vital de Hong Kong, presenta su edición más grande hasta la fecha, con 117 galerías y más de 500 artistas de Hong Kong, Asia y otras partes del mundo. La feria, que abrió sus puertas a VIPs antes de Art Basel el 24 de marzo en una carpa en el icónico Central Harbourfront de Hong Kong, refleja en sus instalaciones y programación pública la ambición de expandirse más allá de un sitio de comercio y networking, convirtiéndose en una plataforma curatorial para la investigación y el descubrimiento.

Enoch Cheng, curador y artista con sede en Europa, fue elegido para guiar el programa de galerías curadas, mientras que Zoie Yung curó su programa creativo no comercial en constante expansión, que en 2026 abarca una serie de instalaciones, imágenes en movimiento, performances y diálogos en el sitio, con un énfasis particular en las nuevas dimensiones digitales.

A la entrada de la feria, los visitantes son recibidos por una importante instalación: 'White Mirror – The Vista of Inner Worlds' de la joven artista Ling Pui Sze. Basándose en sus años de estudio de imágenes celulares, junto con investigaciones recientes sobre el mundo microscópico en la Universidad de Cambridge, presenta un jardín zen escultórico, interactivo y caprichoso que evoca la compleja conexión entre el micro y macrocosmos. Esculturas de papel hechas a mano parecen flotar, en algún lugar entre la galaxia y el jardín, ofreciendo un raro momento de quietud dentro de la bulliciosa atmósfera de la feria. Poblado por formas abstractas y radiantes inspiradas en las neuronas, las células responsables de transmitir información a través del sistema nervioso. Es la instalación más grande de la artista hasta la fecha y una metáfora poética para reconsiderar el impacto emocional en el cuerpo humano, sugiriendo una relación entre los universos micro y macro y resonando con la noción taoísta de 'Todo como Uno'.

Art Central se mantiene predominantemente enfocada en la región. Entre las 117 galerías participantes, el 30 por ciento presenta artistas con sede en Hong Kong y el 85 por ciento representa a la región Asia-Pacífico. Esto es una gran parte de lo que hace que esta feria sea un sitio tan atractivo para el descubrimiento, particularmente de talentos emergentes de China continental. SWANFALL GALLERY, con sede en Londres, por ejemplo, destaca a un grupo de jóvenes artistas chinos, incluido Li Shuangqiang (n. 1995, Beijing). Sus composiciones con influencias glitch evocan una especie de retro-futuro, sondeando las limitaciones de la tecnología mientras reflexionan sobre nuestra posición como civilización suspendida entre sus sistemas y el orden del universo. Con un precio de entre HK$17,000 y HK$20,000, las obras atrajeron interés inmediato, con dos vendidas en la primera hora de la feria.

SWANFALL GALLERY.

Cubism Art Space, con sede en Shanghái, presenta a otro de sus jóvenes talentos de la pintura, ShuChen Hua, cuya exposición individual de composiciones florales melancólicas revela una maestría pictórica. Aquí, la naturaleza muerta tradicional se convierte en un sitio de resistencia y resiliencia silenciosa contra los ritmos acelerados y caóticos de la vida urbana contemporánea. Como señala el curador, estas obras invitan a un modo de contemplación que va más allá de la mirada distraída, una apreciación que se vuelve hacia adentro, hacia lo introspectivo. Con un precio de entre $3,000 y $9,000, las obras atrajeron el interés inmediato de los coleccionistas. En un registro diferente, pero igualmente seductor en su narrativa lúdica, se encuentran los 'paisajes deliciosos' de Haru K, presentados por AN Inc., con sede en Seúl. Estas vibrantes composiciones incorporan alimentos en el terreno de la vida cotidiana, revelando la relación entrelazada entre el consumo humano y el mundo natural. Tras las fuertes ventas del año pasado, la galería regresa con mayor confianza, lo que se refleja en un aumento de precio de $6,000 a $10,000.

Más adelante, Cut Art de Letonia presenta los desnudos caleidoscópicos y anti-idealizados de Julia Silova, cuerpos fracturados y expresivos que resisten las convenciones clásicas de la belleza. Silova aporta un rigor intelectual a sus deconstrucciones pictóricas, encontrando en la acumulación reflejada de perspectivas una profunda investigación del sentido de sí mismo en relación con el mundo exterior. Jacob Arthur, de Miami, presenta por segunda vez a Dan Life, artista con sede en Los Ángeles, cuyas composiciones humorísticas y materialmente ricas, elaboradas con arcilla y cristales, están incrustadas en las portadas de revistas de diseño de interiores de lujo aspiracionales. Oscilando entre la sátira y la seducción, las superficies brillantes y el humor de las obras atrajeron inmediatamente la atención de los coleccionistas locales, con dos obras más grandes vendidas en las primeras horas, con un precio de $44,500 y $55,000 cada una. Igualmente llamativas son sus figuras de resina fundida, arcilla y piedra, formas de Pikachu y Labubu renderizadas con una artesanía similarmente meticulosa, y obras bidimensionales más grandes que requieren hasta un mes para completarse, como dijo el artista a Observer cuando nos detuvimos en el stand. El viernes por la tarde, la galería ya había vendido doce obras en total.

Entre los aspectos más destacados locales, el artista nacido en Hong Kong, Lewis Lau, presentado por Literati Space, ofrece una forma de hiperrealismo psicológico teñido de anhelo. Ahora afincado en el Reino Unido, sus pinturas hacen eco de una soledad distintivamente Hopperiana, capturando el silencioso aislamiento y la soledad de la vida urbana, particularmente dentro de la experiencia diaspórica. Con un precio de entre HK$21,000 y HK$45,000, sus obras atrajeron el interés temprano tanto de visitantes locales como internacionales.

Instalaciones más ambiciosas salpican la feria, profundizando el viaje hacia narrativas e investigaciones más estratificadas. Un destacado en esta edición es 'The Digital Fossiliser' de Silvester Mok, presentado por Touch Gallery, un entorno de impresión 3D en vivo, en parte laboratorio, en parte arqueología especulativa. Inspirado en el descubrimiento del primer fósil de dinosaurio de Hong Kong en 2024, el proyecto reflexiona sobre cómo se conservan la vida y los objetos a través del tiempo. Inspirado en la fosilización natural y la formación de ámbar, Mok emplea el escaneo e impresión 3D como una forma de 'fosilización acelerada', transformando objetos cotidianos en artefactos de cerámica y resina. Presentado como un taller vivo dentro de un laboratorio ficticio y realizado en colaboración con Myron Lai, Carmen Tsui y Simon Wu, la instalación profundiza en cuestiones de permanencia, valor y memoria en la era digital.

LIS10 Gallery de Arezzo, Italia, ofrece un convincente diálogo intergeneracional desde el continente africano, emparejando las abstracciones rigurosas y ligadas a la tradición de Esther Mahlangu, elegida para 'Central Stage', una nueva sección de la feria comisariada por Enoch Cheng que destaca a seis artistas de Hong Kong cuyas prácticas han recibido recientemente un importante reconocimiento institucional, con las obras altamente táctiles y más instintivamente gestuales de Jack Kabangu y Aboudia, tendiendo puentes entre diferentes geografías y vocabularios pictóricos. La galería también organiza un evento emergente en M Place en Wong Chuk Hang, el mismo edificio donde se encuentra Rossi & Rossi.

Una sección dedicada al arte indonesio, 'Rising Currents', comisariada por Manajemen Talenta Nasional (MTN), reúne a un sólido grupo de galerías emergentes y establecidas, ofreciendo una visión de su escena artística en rápido crecimiento. El grupo incluye EDSU House (Yogyakarta), Galeri Ruang Dini (Bandung), ISA Art Gallery (Jakarta), Puri Art Gallery (Bali), RUCI Art Space (Jakarta), SAL Project (Jakarta) y SEWU SATU (Jakarta). En Vice & Virtue de Yakarta, los collages surrealistas de Joko Nastain destacan, composiciones misteriosas pobladas por presencias simbólicas dispares, que se desarrollan dentro de patios de recreo imposibles y de ensueño. Con un precio de entre HK$9,800 y HK$11,000, varias obras ya se habían vendido en las primeras horas.

Igualmente convincentes son los títeres mecánicos de Niluh Pangesty en Puri Art Gallery. Basándose en simbologías tradicionales, mitologías y folclore, Pangesty crea obras articuladas en tinta y linóleo que interrogan la condición de las mujeres. Reestructurando el lenguaje visual de wayang, como se ve en la pintura de Kamasan y los títeres de sombras, reconstruye epopeyas religiosas y cuentos morales, ofreciendo perspectivas alternativas sobre las tradiciones socioculturales. Las obras tienen un precio asequible de entre $1,100 y $3,100, a pesar de su artesanía y la fuerza imaginativa de su simbolismo. 'Como expositores por primera vez, nos complace obtener una respuesta maravillosa a nuestros artistas seleccionados, y muchos visitantes encuentran las obras refrescantes y convincentes', dijo la directora Yuanita Sawitri, quien enfatizó que la misión de la galería es defender el talento del sudeste asiático, específicamente artistas indonesios, a una audiencia global.

En el centro de la feria, 'Recursive Feedback Ritual 0.01' de Kaitlyn Hau, la Comisión de Artistas de Hong Kong de este año, ancla la propuesta curatorial en torno a los nuevos medios y la práctica digital. Basándose en la lógica de autorreferencia de la informática y la noción de plegado espacial del diseño de juegos, la obra es una instalación generativa moldeada por la experiencia de la artista al navegar por estados bipolares y obsesivo-compulsivos. Un torso dividido y de baja poliédrica recuerda al Leñador de Hojalata sin corazón de Baum en 'El Mago de Oz', mientras que un sistema de percusión mecanizado hace eco de la mecánica fragmentada del 'Gran Vidrio' de Duchamp. Cada movimiento en bucle promulga una 'diferencia y repetición' deleuziana, un despliegue recursivo de variación que opera casi como una atención plena forzada, imponiendo ritmo al caos interno. A medida que el gesto se convierte en datos y la emoción reverbera a través de la percusión, la obra busca, quizás sin cesar, su escurridiza 'condición de terminación'. El director Corey Andrew Barr describió la instalación como emblemática de la próxima generación de arte y de la práctica artística con infusión digital. 'Atrajo una atención significativa durante las vistas previas, a las que asistieron muchos, y subrayó el impacto de la dirección curatorial de este año mientras miramos hacia 2027'. Varios otros artistas de la feria están interactuando con la tecnología y el ámbito digital.

'Estamos viendo más interés en las prácticas digitales', reconoció Barr en una entrevista reciente, señalando cómo los artistas de Hong Kong son especialmente adeptos a explorar las conexiones entre la cultura digital y el arte contemporáneo. 'Están pensando en esas relaciones de manera muy inteligente. Ciertamente vemos esa presencia dentro de la comunidad artística aquí'.